Концертмейстерский класс в ДМШ - важный предмет для юного пианиста

Автор: Акопян Наталья Артуровна

Организация: МБУ ДО «Детская музыкальная школа № 1 городского округа»

Населенный пункт: Белгородская область, г. Белгород

Автор: Петрович Марина Михайловна

Организация: МБУ ДО «Детская музыкальная школа № 1 городского округа»

Населенный пункт: Белгородская область, г. Белгород

Ключевые слова: концертмейстерский класс, профессиональный музыкант, история искусства, исторические факты, важность этого процесса.

Annotation. In the article, the authors consider the "Concertmaster class" as one of the important subjects in the specialty "Piano" in the upbringing and formation of a professional musician - performer, while tracing the history of concertmaster art in the context of historical facts and circumstances. The authors consider the concertmaster's creativity using examples from the experience of pedagogical work with students of a Children's music school.

Keywords: concertmaster class, professional musician, art history, historical facts, the importance of this process.

Предмет «Концертмейстерский класс» в детских музыкальных школах по специальности фортепиано является составной частью предпрофессиональной подготовки обучающихся и является одним из основных направлений в обучении и воспитании юных пианистов-исполнителей. Этот предмет является началом становления профессионала своего дела и предусматривает развитие навыков игры на фортепиано, необходимых для дальнейшего совершенствования практической деятельности будущего пианиста в том числе и в качестве концертмейстера. «Концертмейстерский класс» в качестве изучаемого предмета в основном его содержании предлагается для практической деятельности со 2-го полугодия 7 класса и всего на полтора года (до конца 8 класса). Несомненно, этот период (7 - 8 класс) для обучающихся в ДМШ является в большей степени осознанным и ответственным, когда выпускники детских музыкальных школ и школ искусств уже имеют более ясное представление о своей будущей профессии, о тех или иных направлениях в ней, где они с большим интересом и умением смогут реализовать свои знания и навыки, заложенные изначально в период обучения в ДМШ по специальности "фортепиано". На протяжении всего периода обучения, с первых уроков и до последнего класса в музыкальной школе необходимо помнить, что концертмейстерская деятельность - это один из основных пластов в музыкальном исполнительском искусстве, что пианист - концертмейстер - это важная и ответственная составляющая любого исполнителя: вокалиста, струнника, духовика и т. д. Поэтому практику ознакомления с концертмейстерской деятельностью необходимо начинать намного раньше, чем предложен предмет «Концертмейстерский класс» в учебном плане, а подготовку к концертмейстерской деятельности вести с первых уроков, с первых уроков учить начинающего пианиста так, чтобы основным в его обучении было умение видеть нотный текст и осознавать важность этого процесса... Аккомпанемент - одна из составляющих комплексного подхода в воспитании юного музыканта. Уроки аккомпанемента позволяют приобрести новые исполнительские навыки, расширить репертуарные рамки, познакомиться с лучшими образцами вокальной и инструментальной музыки, воспитать художественный вкус и чувство стиля, развить умение слушать и создавать единый художественный образ произведения вместе с иллюстратором. Конечно же, всего этого не охватить за полтора учебных года, а следовательно, глубинные технологии освоения предмета должны всегда присутствовать на уроках специального фортепиано. И это огромная, всеобъемлющая работа педагога, призванная направлять познания обучающихся во всех сферах музыкального образования и, в первую очередь, на его начальных этапах (сольфеджио, чтение с листа, обязательные маленькие сочинения, подбор знакомых мелодий от разных нот, запоминание как постоянная тренировка памяти). Концертмейстерская практика обучающихся предполагает владение всем арсеналом пианистического мастерства и множеством дополнительных умений: навыка видеть всю партитуру, выстраивать вертикаль обеих партий, выявлять индивидуальную красоту и значимость как солирующего, так и аккомпанирующего голосов, обеспечивать баланс и пульсацию музыкальной ткани в произведении как во время рабочей подготовки с солистом, так и в концертном исполнении, делать аккомпанемент такой же важной составляющей, как и музыкальный материал солирующего инструмента (или голоса), добиваться того, чтобы партия солиста и музыкальная ткань сопровождения слились в единое целое, наполнив друг друга музыкальными красками, динамическими сплетениями, драматическими всплесками и единым пониманием содержания исполняемого произведения. Все эти умения, конечно же, должны формироваться в процессе обучения по специальности курса «Фортепиано», начиная ещё в стенах музыкальных школ.

https://youtu.be/NxVQPHYOWHYPERLINK "https://youtu.be/NxVQPHYOW70"70

В настоящее время распространено мнение, что в музыкальной школе, то есть, на начальном этапе обучения формируются лишь первоначальные навыки концертмейстера, без углубления в эмоционально - психологические аспекты, как это происходит у более старших исполнителей, уже на втором профессиональном этапе обучения (музыкальный колледж). Но судя по наблюдениям в работе с учащимися в ДМШ (в частности этот метод обучения уже рассматривается в Специализированных учебных заведениях), существует и обратный процесс: от уроков аккомпанемента к Мастерству солиста-исполнителя, который после общения и работы с иллюстратором (вокалистом или инструменталистом) уже более отчетливо услышит мелодическую линию и драматургию в его сольном музыкальном произведении, и, уже в качестве солиста, точнее и грамотнее, без особых натаскиваний сможет и, более того, будет стремиться проникать в тонкие интонации и образы изучаемого музыкального материала того или иного сольного произведения. Иными словами, чтобы пианист - солист заиграл Музыку, желательно, чтобы он прочувствовал её изначально через игру в фортепианном дуэте и в ансамбле в качестве концертмейстера. Приобретение ансамблевых и ансамблево-концертмейстерских навыков способствует воспитанию сопереживания и определяет более зрелый статус эмоциональной сферы, что в определенном смысле является фундаментом становления и развития личности.

https://youtu.be/_GfHYPERLINK "https://youtu.be/_Gf2SFF-zNQ"2HYPERLINK "https://youtu.be/_Gf2SFF-zNQ"SFF-zNQ

Какова же история возникновения и развития данного предмета в музыкальном образовании?.. Первоначально концертмейстерами являлись и именовались скрипачи в симфоническом оркестре, возглавлявшие струнную группу и отвечающие за качество её звучания. Традиция эта сохранилась и до настоящего времени. Применительно к деятельности музыканта - пианиста, концертмейстерство - это одна из самых распространённых и востребованных профессий, не смотря на тот факт, что Методика преподавания концертмейстерского класса в полном и достаточном объёме обучения отсутствует. Отсюда, можем предположить, что концертмейстерскому мастерству обучить или научить нельзя, с этим видом деятельности необходимо ученика познакомить и, как можно, в более раннем возрасте, и вместе с начинающим аккомпаниатором, совместно углубляться в этот вид музыкального искусства, способствующий всестороннему и всеобъемлящему развитию музыкальных способностей и возможностей будущего солиста - исполнителя или же высоко профессионального, востребованного Концертмейстера. Профессия концертмейстер-пианист одна из важных в ряду музыкантских профессий. Без концертмейстера невозможна работа филармоний, оперных театров, музыкальных учебных заведений различного уровня. С момента возникновения этого вида музыкальной деятельности и в процессе его становления происходило постепенное совершенствование всех входящих в него компонентов. Появление Концертмейстерского класса в музыкальных учебных заведениях как отдельного предмета имело свои особенности. Основой же для данного вида деятельности музыканта всегда служили импровизаторские способности, обеспечивающие профессиональную универсальность. Искусство аккомпанемента на ранних этапах своего становления рассматривалось как своеобразная форма импровизации владеть которой был обязан любой исполнитель. В средневековой музыке сопровождением были унисонное или октавное удвоения вокальной мелодии одним или несколькими инструментами. В XV-XVI веках аккомпанемент являлся сопровождением к вокальным полифоническим произведениям, и в художественном отношении был второстепенным.

Итальянский композитор и певец Джулио Каччини (1551 - 1618) принадлежал к кружку музыкантов (Галилеи, Пери, Кавальери) и поэтов (Ринуччини), способствовавших возникновению оперы в Италии. Этот кружок (известен как Флорентийская камерата) собирался во Флоренции в доме гуманиста и мецената Джованни Барди. Кружок был нацелен на восстановление былого величия и наследия древнегреческой драматической музыки. Благодаря музыкальному таланту и личным качествам Каччини в Камерате была разработана концепция монодии - экспрессивного музыкального склада, характеризующегося одноголосным пением - это стало прорывом в музыке, особенно после многовекового опыта полифонической музыки эпохи Возрождения. Публичное Сольное пение повлекло за собой наличие музыкального сопровождения. Творчество проникало в городскую музыкальную культуру и уже в средние века находит место в европейской профессиональной музыке. Изучая бурную жизнь и многогранность творческого наследия Джулио Каччини, исследователи развернули целый ряд детективных историй, случавшихся в его биографии, поскольку характер Каччини рассматривался не вполне сносным и часто руководствовался завистью и ревностью не только в своей профессиональной стезе, но и для личного продвижения по службе у Медичи: 1. Однажды он сообщил великому герцогу Франческо о любовнике в доме Медичи: информация о том, что у Леоноры, жены Пьетро Медичи, у которой был незаконный роман с господином Бернардино Антинори, привела непосредственно к убийствуЛеоноры. 2. Соперничество Джулио Каччини с Эмилио де Кавальери (автор первой оратории «Представление о душе и теле») и Якопо Пери (автор первой оперы «Эвридика»), по-видимому, было интенсивным, т. к. считается, что именно он организовал смещение Кавальери с поста директора торжеств по случаю свадьбы Генриха IV французского и Марии Медичи в 1600 году (событие, которое заставило Кавальери в ярости покинуть Флоренцию), а также, Джулио Каччини, по-видимому, поспешил напечатать свою собственную оперу "Эвридика" до того, как опера Пери на ту же тему могла быть опубликована, одновременно приказав своей группе певцов не иметь дел с постановкой Пери. Детектив, касаемый Джулио Каччини, продолжился и в 20 - ом веке: Одно из наиболее известных и часто исполняемых произведений — «Ave Maria», которое приписывается Каччини, по мнению исследователей, является музыкальной мистификацией и принадлежит перу советского композитора и музыканта Владимира Вавилова. Впервые песня была издана им на пластинке «Лютневая музыка XVI—XVII веков» в 1970 году без указания своего имени.

https://youtu.be/HYPERLINK "https://youtu.be/8PXUjBBaETo"8HYPERLINK "https://youtu.be/8PXUjBBaETo"PXUjBBaETo Основным этапом развития концертмейстерского искусства можно считать появление фортепиано. Многие музыканты считали, что фортепиано является лучшим аккомпанирующим инструментом, и со времен Й.Гайдна, В. Моцарта, Л. Бетховена аккомпанемент выписывался авторами полностью. В музыке наблюдается ясность гармонии и четкость фактурных рисунков. Иоганнес Брамс (7 мая 1833 г. Гамбург – 3 июля 1897 г. Вена), крупнейший немецкий композитор эпохи романтизма, вступил в музыкальную жизнь как преемник романтических традиций Л.Бетховена и Р.Шумана, с которым он знакомится 1853 году. Шуман восхищён творчеством молодого композитора. Он радушно принимает Иоганнеса у себя в доме.

Вокалььной музыке Брамс уделял много внимания: им написано триста восемьдесят произведений в этом жанре, в том числе около двухсот песен для голоса и фортепиано (не считая обработок народных песен). После Шуберта и Шумана только Брамс умел создавать столь национальные по духу и складу вокальные мелодии, пристально и вдумчиво изучая поэтическое и музыкальное творчество своего народа. Именно для домашнего музицирования Брамс составил свой сборник, назвав его «Немецкие народные песни для голоса с фортепиано» То есть, мы можем говорить уже о следующем периоде развития концертмейстерского искусства, которое успешно развивалось в творчестве композиторов - романтиков. По словам самого композитора он преследовал цель создания мотивной связи вокальной мелодии и фортепианного сопровождения. Способствует этому повторы и переклички вокальной партии и партии фортепиано, свободного тематического развития или дублирования мелодии в партии фортепиано. Цикл "Dein blaues Auge" ("Твои голубые глаза") основан на стихах, написанных его другом Клаусом Гротом: человек, чье сердце было сожжено одной парой глаз, надеется обрести некоторое утешение, заглянув в глубокие ясные светлые глаза ... Dein blaues Auge hält так неподвижен, Ich blicke bis zum Grund.

https://youtu.be/bnnXqYSstHYPERLINK "https://youtu.be/bnnXqYSst9I"9HYPERLINK "https://youtu.be/bnnXqYSst9I"I

Истории клавирного аккомпанемента в России около трех веков. Становление искусства аккомпанемента в России связано с развитием вокальной музыки. Многие русские композиторы были прекрасными концертмейстерами и работали с певцами в оперном театре – это А.Верстовский, А.Варламов, А.Даргомыжский, А. Гурилёв. М. Глинка. Михаил Иванович Глинка (1804–1857) — русский композитор. Его сочинения оказали влияние на творчество крупнейших русских композиторов. Этого выдающегося композитора по праву величают гордостью русской музыкальной классики, поскольку именно он заложил основы отечественной оперной и симфонической музыки. Однако есть ещё один музыкальный жанр, в котором маэстро оставил потомкам щедрое наследство камерно-вокальных произведений.

https://youtu.be/HYPERLINK "https://youtu.be/22johBcjiss"22HYPERLINK "https://youtu.be/22johBcjiss"johBcjiss

Александр Сергеевич Даргомы́жский (2 (14) февраля 1813, село Троицкое, Белёвский уезд, Тульская губерния — 5 (17) января 1869, Санкт-Петербург) — русский композитор, чьё творчество оказало существенное влияние на развитие русского музыкального искусства XIX века. вместе с Михаилом Глинкой является основоположником русского классического романса. Камерная вокальная музыка была для композитора одним из главных жанров творчества. Несмотря на особую любовь Даргомыжского к творчеству Пушкина и Лермонтова, круг поэтов, к стихам которых обращался композитор, весьма разнообразен: это Жуковский, Дельвиг, Кольцов, Языков, и другие. В работе над аккомпанементом Даргомыжский следовал за каждым словом текста, воплощая свой ведущий творческий принцип: «Хочу, чтобы звук прямо выражал слово. Хочу правды».

https://youtu.be/HYPERLINK "https://youtu.be/80o6vyLuv9I"80HYPERLINK "https://youtu.be/80o6vyLuv9I"oHYPERLINK "https://youtu.be/80o6vyLuv9I"6HYPERLINK "https://youtu.be/80o6vyLuv9I"vyLuvHYPERLINK "https://youtu.be/80o6vyLuv9I"9HYPERLINK "https://youtu.be/80o6vyLuv9I"I

Процесс выделения аккомпанемента в самостоятельную разновидность профессиональной работы пианиста начался только во второй половине XIX века. Завершился он в XX столетии. Сейчас очевидна важная роль концертмейстера в исполнительстве. Для многих пианистов профессия концертмейстера является основной. Ее престиж поддерживается всероссийскими и международными конкурсами концертмейстеров и наградами (дипломами на конкурсах исполнителей). В профессиональных музыкальных учебных заведениях пианисты обучаются в классе концертмейстерского мастерства, постигая тонкости профессии. Изучение истории становления концертмейстерства и его жизни сегодня приводит к выводу: существует национальная концертмейстерская школа как совокупность сохраняемых и передаваемых знаний и традиций.

Исполнительские и педагогические принципы русской национальной концертмейстерской школы утверждаются и реализуются в XX веке в творческой деятельности множества музыкантов. Одной из основных отличительных черт отечественной школы является тесное, партнерское, сотрудничество концертмейстера с солистом, активное участие в создании интерпретации сочинения. В середине 80-х годов XIX века молодой человек аристократического происхождения показывал искусство исполнения на балалайке — инструменте, считавшимся тогда недостойным внимания ценителей высокого искусства. Василий Васильевич Андреев, столь эффектно появившийся в петербургских салонах и быстро завоевавший титул «великосветского льва», был поистине одержим любовью к народному искусству - песням, танцам и игре на музыкальных инструментах. С детских лет он испытывал неодолимое влечение ко всему русскому, в том числе и к своему народу. Чувство это, по собственному его признанию, росло вместе с ним. И хотя родители дали мальчику вполне светское образование, обучали языкам, игре на фортепиано и скрипке, В. В. Андреев остался верен музыкальному искусству своего народа до последних дней.

«... Я был поражен ритмичностью и оригинальностью приема игры и никак не мог постичь, как такой убогий с виду, несовершенный инструмент, только с тремя струнами, может давать столько звуков! Присмотревшись внимательно, как играл Антип, и попросив его тут же показать некоторые приемы игры, я отобрал от него балалайку… Помню, что тогда же как каленым железом выжглась в мозгу мысль: играть самому и довести игру на балалайке до совершенства! Не знаю, что сильнее руководило мной — инстинкт или национальное чувство. Я думаю, что и то, и другое, а соединение дало мне ту силу, которая не знает на своем пути преград и не останавливается ни перед какими жертвами, чтобы довести дело до конца».

Увлечение балалайкой захватило Василия Андреева полностью, принося свои плоды: сделав чертежи нового, улучшенного варианта инструмента, он поехал в Петербург. В Петербурге Андреев долго искал мастера, который мог бы сделать новую балалайку. И 23 декабря 1886 года В. В. Андреев выступал с балалайкой как сольным инструментом. Публика была в восторге, в газетах пестрели публикации о том, что под пальцами этого артиста простой инструмент заставляет забыть о своем низменном (не светском) происхождении.

https://youtu.be/HYPERLINK "https://youtu.be/56LRYWtQRLM"56HYPERLINK "https://youtu.be/56LRYWtQRLM"LRYWtQRLM

Концертмейстерская деятельность в России многогранна и необычайно востребована. Именно поэтому требует тщательного её изучения, тем более, что есть методические и исторические материалы, опираясь на которые возможно в качестве основополагающего подхода более глубоко и последовательно разработать принцип историзма, на основе чего и выработать методику преподавания Концертмейстерского класса, беря за основу труды историков русской культуры: А. Алексеева, Б. Асафьева, Т. Ливановой, Д. Лихачева, Ю. Лотмана, а так же исследования концертмейстеров-практиков о сущности концертмейстерского искусства: Крючкова Николая Александровича (1892-1961 «Искусство аккомпанемента как предмет обучения»), Евгения Шендеровича. Евгений Михайлович Шендерович (26 апреля 1918 года, г. Ростов-на-Дону -13 ноября 1999 года, Иерусалим) — пианист, педагог и композитор, Заслуженный артист РСФСР, профессор МГК им. П.И. Чайковского. С 1948 года начал работать концертмейстером, а позднее – педагогом в Ленинградской консерватории. Он подготовил плеяду вокалистов, принесших мировую славу советскому вокальному искусству, в том числе принял деятельное участие в артистической карьере будущих знаменитых певцов, обучавшихся в Ленинградской консерватории – Евгения Нестеренко и Елены Образцовой. Они стали любимыми солистами Шендеровича. В 1976–1991 годах Е. Шендерович работал на кафедре концертмейстерского мастерства Московской государственной консерватории имени П. И. Чайковского. В методических трудах, посвященных тонкостям профессии, автор приблизился к отражению основных проблем концертмейстерства, и, прежде всего, равноправия пианиста в ансамбле. Творческое содружество концертмейстера и солиста, по его мнению, норма. Важно одно: "Солист - это парус, аккомпаниатор - руль; лишенная одного из этих компонентов, лодка потеряет ориентир и не причалит к желаемому берегу".

Опубликовано: 05.10.2023