«Живая связь времен». Фольклор — как вид танцевального искусства

Автор: Прокопьева Аянмаа Юрьевна

Организация: МБО ДО «Тиксинская детская школа искусств»

Населенный пункт: Республика Саха(Якутия), пос. Тикси

1.Что такое фольклорный танец?

Это народное творчество, передающееся из поколения в поколение.

Фольклорный танец, зарождался в естественной среде, не в бальныз щалах или сцене, а в быту, в хороводе или в переплясах.

В нём отражены:

-традиции и обычаи этноса;

-особенности быта и труда;

-мировоззрение и эмоциональность -народа.

Ключевые особенности:

Коллективность
Танцы чаще исполняются группой, что подчёркивает общность и единство народа.

Символичность движений
Каждый элемент имеет смысл:

круговые движения — символ солнца и вечности;

притопы — связь с землёй;

взмахи руками — имитация птиц или волн.

Связь с музыкой и песней
Танец неотделим от народных мелодий, ударных инструментов (бубен, ложки, трещотки) и хорового пения.

Региональная специфика
В каждом крае — свои ритмы, костюмы и пластические приёмы.

Сохранение традиций и обрядов, как историю определенного народа.

Танцы исполнялись в моменты проведения народных празднеств и гуляний;

-календарных ;

-семейных:

-трудовых:

Значение фольклорного танца сегодня.

Несмотря на глобализацию, фольклор остаётся актуальным:

В сохранении идентичности. Помогает народам не потерять культурные корни.

В системе образования. Изучается в школах искусств и этнографических ансамблях.

Терапевтически эмоциональной коррекции. Коллективные танцы снимают стресс и укрепляют социальные связи.

Вдохновение для современного искусства.

Мотивы фольклора используют в эстраде, театре и моде.

Фольклорный танец — это живое искусство, которое продолжает развиваться. В его ритмах звучит голос предков, а в движениях — мудрость поколений.

Погружаясь в него, мы становимся частью многовековой традиции.

2.Как сохранить традиции в новом формате.

Что такое стилизация народного танца?

Стилизация — это творческая переработка фольклорного материала для создания сценического номера. Это не копирование, а интерпретация: хореограф сохраняет суть народного танца, но обогащает его современными средствами выразительности.

Задача, которого донести до зрителя национальный колорит и эмоциональность фольклора, сделав номер зрелищным и понятным современной аудитории.

Почему фольклорный танец нуждается в стилизации?

В естественной среде народный танец:

носит импровизационный характер;

исполняется «для себя», а не для зрителя;

может быть избыточно долгим;

не всегда соответствует законам сценической драматургии.

Сценическая обработка решает эти проблемы, сохраняя ядро традиции.

Принципы стилизации.

Знание и изучение первоисточника

этнографические записи;

особенности пластики, ритмики, костюма;

смысловая нагрузка движений.

Сохранение «корня” традиции

типичные позы и жесты;

характерные ритмические рисунки;

национальные орнаменты в движении.

Современное прочтение

Новая музыкальная обработка (синтез фольклора и современных ритмов);

обновлённая композиция (чёткая драматургия, кульминация);

сценические эффекты (свет, проекция).

Гармоничное сочетание стилей.

Внедрение элементов классического танца;

использование современной пластики без утраты национального колорита.

Приёмы сценической обработки

— уплотнение материала в рамках сценического времени.

— чёткие вступления, переходы, финалы.

— добавление танцевальных элементов, вращений, прыжков (без искажения стиля).

— игра с темпом, акцентами.

— использование всей сцены, многоуровневость.

— сохранение силуэта и цветовой гаммы народного костюма с современными материалами и кроем.

Как избежать ошибок.

— движения должны оставаться узнаваемо народными.

— излишняя акробатика убивает национальный колорит.

— современные элементы должны дополнять, а не подавлять фольклор.

— танец должен соответствовать музыке и общей концепции номера.

Вывод:

Стилизация — это мост между прошлым и настоящим. Она позволяет:

-сохранить живую традицию в условиях сцены;

-сделать фольклор доступным современной аудитории;

-создать новый художественный продукт, уважающий истоки, бережно их сохраняя.

 

3.Исполнение танца, с живым этническим оркестром.

Задача, требующая глубокого понимания взаимосвязи музыки и хореографии, а также учёта особенностей как танцевального, так и музыкального материала.

Ключевые аспекты, которые помогут добиться гармоничного выступления:

Синхронизация с музыкой

Ритмическая точность — основа успешного исполнения. Танцоры должны чётко следовать ритмическому рисунку оркестра, акцентируя сильные доли такта и соблюдая темп. Для этого важно:

заранее изучить партитуру и отработать сложные ритмические фрагменты;

проводить совместные репетиции с оркестром, чтобы привыкнуть к динамике и темпу исполнения;

использовать счёт или визуальные подсказки (например, движения дирижёра) во время выступления.

Соответствие характера движений музыке.

Каждый музыкальный фрагмент (куплет, припев, инструментальное соло) должен находить отражение в хореографии. Например:

быстрые и энергичные мелодии требуют динамичных движений (дроби, прыжки, вращения);

медленные и лирические части предполагают плавные переходы, присядки, выразительную мимику.

Работа с акцентами.

Этническая музыка часто содержит сложные ритмические акценты и орнаменты. Танцоры должны «играть» этими акцентами через:

изменение динамики движений (усиление или ослабление);

использование дополнительных элементов (хлопки, притопы, взмахи руками);

импровизацию в рамках заданной хореографии (особенно в сольных партиях).

Адаптация хореографии под оркестр

Упрощение или усложнение лексики. В зависимости от возможностей оркестра и акустических условий сцены может потребоваться:

сократить количество сложных элементов, если музыка звучит слишком насыщенно;

добавить виртуозные движения в моменты, когда оркестр исполняет паузы или лёгкие пассажи.

Корректировка темпа. Если оркестр исполняет музыку быстрее или медленнее, чем планировалось, танцоры должны гибко реагировать, сохраняя синхронность. Для этого полезно:

заранее обсудить с музыкантами возможные вариации темпа;

отработать переходы между разными скоростными режимами на репетициях.

Согласование костюмов и сценического пространства.

Этнические оркестры часто используют крупные инструменты (например, бубны и др.), которые могут ограничивать свободу движений. Необходимо:

подобрать костюмы, не сковывающие движения, но соответствующие стилю танца;

продумать расположение музыкантов на сцене, чтобы избежать помех для танцоров.

Взаимодействие с музыкантами

Коммуникация до выступления.

Важно:

провести совместные репетиции, чтобы оркестр и танцоры почувствовали друг друга;

обсудить нюансы исполнения (например, как музыканты будут реагировать на импровизацию в танце);

согласовать сигналы для начала и окончания номера, а также для переходов между частями.

Визуальный контакт во время выступления.

Дирижёр или ведущие музыканты могут подавать невербальные сигналы (кивки, жесты), которые помогут танцорам синхронизироваться.

Эмоциональная вовлечённость

. Живой оркестр создаёт особую атмосферу, которая должна передаваться танцорам. Важно:

чувствовать энергию музыки и передавать её через движения;

поддерживать контакт с аудиторией, даже если внимание частично сосредоточено на музыкантах.

 

Рекомендации для репетиций.

Запись репетиций — позволяет анализировать синхронность и вносить коррективы.

Работа с метрономом — помогает отработать сложные ритмические фрагменты.

Импровизационные упражнения — развивают чувство музыки и умение реагировать на неожиданные изменения в исполнении оркестра.

Финальные прогоны — проводят в условиях, максимально приближенных к концертным (с полным оркестром и сценическим оформлением).

Успешное исполнение танца под живой этнический оркестр — результат слаженной работы хореографа, танцоров и музыкантов.

Ключевыми факторами являются глубокое понимание взаимосвязи музыки и хореографии, гибкость в адаптации и постоянная практика.

Использованная литература: Интернет ресурс: