Посещение выставок современных художников в контексте школьного образования: от теории к практике

Автор: Игнатьева Ирина Юрьевна

Организация: МОБУ «СОШ «Янинский ЦО»

Населенный пункт: Ленинградская область, г.п. Янино

Аннотация
Статья посвящена проблемам преподавания изобразительного искусства в современной общеобразовательной школе, среди которых перегруженность программ, низкая мотивация учащихся и смещение предмета в досуговую сферу. В качестве ключевого решения предлагается интеграция практики посещения выставок современного искусства в учебный процесс. Обосновывается дидактический потенциал современного искусства для преодоления разрыва между академическими знаниями и живым художественным процессом. Подробно раскрывается роль учителя как активного участника художественной жизни и модератора учебной деятельности. Описываются методы и технологии (системно-деятельностный, проблемный, проектный подходы), а также конкретные формы работы до, во время и после посещения выставки, позволяющие трансформировать пассивный просмотр в активный диалог, развивающий визуальную грамотность, критическое мышление и творческий потенциал школьников.

The article addresses the problems of teaching fine arts in modern comprehensive schools, including curriculum overload, low student motivation, and the shift of the subject into the leisure sphere. The integration of visits to contemporary art exhibitions into the educational process is proposed as a key solution. The didactic potential of contemporary art to bridge the gap between academic knowledge and the living artistic process is substantiated. The role of the teacher as an active participant in the art world and a moderator of educational activities is detailed. The article describes methods and technologies (system-activity, problem-based, and project-based approaches), as well as specific forms of work before, during, and after the exhibition visit, which transform passive viewing into an active dialogue that develops visual literacy, critical thinking, and the creative potential of students.

Ключевые слова

Преподавание изобразительного искусства, современное искусство, выставки, школьное образование, системно-деятельностный подход, визуальная грамотность, мотивация учащихся, методика преподавания, художественное образование, критическое мышление.

Teaching fine arts, contemporary art, exhibitions, school education, system-activity approach, visual literacy, student motivation, teaching methods, art education, critical thinking.

Преподавание изобразительного искусства в общеобразовательной школе сегодня сталкивается с комплексом взаимосвязанных трудностей. Прежде всего, современные учебные программы часто оказываются перегружены информацией и обязательным к изучению иллюстративным материалом, что нарушает баланс между получением знаний и непосредственным творческим процессом. Параллельно в общеобразовательных школах выявилась тенденция вытеснения изобразительного искусства во внеурочную деятельность и дополнительное образование. Создалась опасность постепенного перехода предметной области «Искусство» в досуговую, развлекательную деятельность, и многими учащимися, и родителями уроки изобразительного искусства воспринимаются как не очень важные для образования "уроки отдыха". Усугубляет ситуацию и крайне ограниченное количество часов, выделяемое на эти занятия. В результате даже способные выпускники зачастую не могут продолжить художественное образование без помощи репетиторов или художественных школ, в то время как у большинства школьников просто отсутствует мотивация, поскольку они не видят в изобразительном искусстве ничего важного и значимого для своего будущего.

В этих условиях обычному учителю изобразительного искусства для эффективного достижения образовательных целей необходимо использовать различные способы реализации содержания обучения. Они включают в себя традиционную систему форм, методов и средств обучения. Также учителю приходится придумывать все новые технологии обучения для повышения качества образования и мотивации школьников к общению с искусством.

Создание условий, позволяющих школьникам непосредственно на уроках расширять свои познания и умения в области изобразительного искусства через развитие умений ориентироваться в мире визуальной культуры, стало толчком для использования материалов выставок современных художников на уроках. Учитель, являясь носителем и транслятором художественной культуры и искусства в школе, и сам должен хорошо ориентироваться во всем многообразии современного изобразительного искусства. Для этого учителю необходимо регулярно и системно посещать выставки современных художников, вернисажи и художественные ярмарки, а также изучать онлайн-коллекции музеев и галерей. Это позволит ему не только быть в курсе актуальных художественных процессов, но и формировать личный опыт восприятия. Учитель, который сам эмоционально пережил встречу с современным искусством, сможет гораздо искреннее и убедительнее говорить о нем с учениками, заряжая их своим интересом. Он сможет отбирать релевантный материал. Личное посещение позволяет критически оценить произведения, отобрать те из них, которые будут понятны, интересны и дидактически ценны для конкретного возраста школьников, соответствуют темам программы и помогут раскрыть их по-новому. Современное искусство часто обращается к темам, близким и понятным подросткам: идентичность, экология, социальная справедливость, цифровизация, медиа. Учитель сможет находить эти связи и использовать их для повышения мотивации, показывая, что искусство — это не про «давно умерших людей», а про живой язык, которым можно говорить о насущных проблемах. Видя разнообразие техник, материалов и форм высказывания, учитель сможет переносить идеи в школьные уроки, выходя за рамки традиционного рисования, предлагая школьникам проекты в смешанных медиа, инсталляции, перформанс-эскизы и т.д., что превратит урок из «развлекательного» в подлинно творческий и познавательный. Столкнувшись со сложными или провокационными работами, учитель сможет подготовиться к возможным вопросам и реакциям учеников и родителей, грамотно построить дискуссию, научить детей не просто смотреть, но и видеть, интерпретировать, формировать собственную аргументированную позицию, что и составляет основу умения ориентироваться в мире визуальной культуры.

Таким образом, активная позиция учителя в отношении современного художественного процесса является ключевым условием для преодоления разрыва между перегруженной программой и жизнью, превращения урока изобразительного искусства из маловажного «отдыха» в актуальный диалог с современностью, развивающий критическое мышление и творческий потенциал школьников.

В настоящее время в общеобразовательных школах в качестве основной принята рабочая программа по изобразительному искусству, разработанная российским живописцем, педагогом, профессором Борисом Михайловичем Неменским и группой ученых и педагогов, которая стала государственной с 1989 года. Начиная с 1970-х годов под научным руководством Б.М. Неменского проходил эксперимент по апробации и внедрению в педагогическую практику новых прогрессивных идей, вошедших в содержание программы. В ней изобразительное искусство последовательно и поэтапно раскрывается как духовная летопись человечества. Программа обеспечена глубоко разработанными художественно-педагогическими технологиями. Но время идет, и программа наполняется новыми методиками и формами обучения.

Государственные требования к содержанию образования сформулированы в Федеральных государственных образовательных стандартах (ФГОС). Стандарт нового поколения предлагает такие приоритетные цели художественного образования:

• формирование художественных и культурных компетенций обучающихся;
• расширение кругозора;
• развитие образного, ассоциативно-критического мышления;
• приобретение личностного художественно-творческого опыта;
• выбор путей собственного культурного развития.

Одной из главных задач по новым стандартам является формирование у детей универсальных учебных действий. По новым стандартам педагоги при подготовке уроков ставят личностные, метапредметные задачи и, по-прежнему, предметные. Учитель организует проблемные, поисковые ситуации, активизирует деятельность учащихся, в процессе которой они сами делают выводы, а учитель направляет учеников на сотрудничество с собой и одноклассниками.

Так как в преподавании изобразительного искусства в школе существует необходимость ограничения количества изучаемых произведений искусства за счет увеличения времени для творческой деятельности, педагогам приходится применять более активные методы обучения и системно-деятельностный подход. Методологической основой новых ФГОС является системно-деятельностный подход, который нацелен на развитие личности и формирование гражданской идентичности. Он позволяет выделить основные результаты обучения и воспитания в контексте ключевых задач и универсальных учебных действий, которыми должны владеть учащиеся. Это создает возможность самостоятельного успешного усвоения новых знаний, умений и компетентностей, включая организацию усвоения, то есть умения учиться, что позволяет хорошо ориентироваться в различных предметных областях познания и повышает мотивацию к обучению. Но идея учить детей учиться не нова. Еще в XIX веке немецкий педагог Адольф Дистервег говорил: «Плохой учитель преподносит истину, хороший учит ее находить» [1].

Предметная область «Искусство» строится на таких компонентах преподавания:

• изучение и исследование художественных работ;
• прямой контакт с творческими работами;
• вовлечение в творческую деятельность.

Смыслом образования становится приобщение учащихся к культуре, развитие способностей осваивать культуру, участвовать в создании культуры. Художественное образование на школьных уроках происходит через три основных направления: почувствовать искусство (эмоционально откликнуться на произведение искусства), узнать (приобрести общие знания о разных видах искусства и умения использовать эти знания в собственном художественном творчестве) и осмыслить его (осознать социальную роль искусства, выразить и высказать собственное мнение и дать нравственную и эстетическую оценку художественного произведения, образа). Как метко заметил И.В. Гёте, "Искусство есть посредник того, что нельзя высказать" [2, с. 407]. Именно эта mediating-функция искусства особенно важна в школьном образовании, позволяя учащимся выражать сложные чувства и идеи, которые трудно передать обычными словами. Творческие способности у всех ребят не могут быть одинаковыми, поэтому необходимо давать каждому школьнику возможность проявлять себя. Испытывая радость от своей творческой деятельности, учащиеся смогут проявлять желание учиться, повысить мотивацию к учению, научатся работать самостоятельно и с увлечением.

Посещение выставок современных художников позволяет погрузить школьников в определенную среду, помогает привлечь внимание ребят к новинкам искусства и культурной жизни. Это открывает им доступ к уникальным нюансам и деталям, о которых не всегда можно прочитать в книге, рассмотреть их на картинке или узнать из описания учителя. Здесь действительно можно увлекательно провести время детям и расширить возможности процесса обучения учителю.

Изобразительное искусство базируется на знании законов, исторического опыта и традиций изобразительной грамоты. Только после изучения предшествующего опыта многих поколений художников, разработанных ими правил, у детей возникает возможность создавать что-то свое, то есть возможность творчества. Целью обучения является ученик, знающий правила и законы изображения и умеющий осуществить на практике разные по сложности творческие задачи в соответствии с возрастом. Законы и правила следует связывать с живым опытом учащихся.

При посещении выставок педагог должен ориентироваться на интересы учащихся, а также связывать содержание выставки с тем материалом, который изучается на уроках.

Привычными методами при рассматривании художественных произведений является демонстрация и анализ: на примере выбранного учителем произведения разбираются правила, используемые художником. Однако для глубокого погружения и развития критического мышления этого может быть недостаточно. Поэтому современный подход предлагает сочетать традиционный анализ с интерактивными методами: организовывать обсуждения в формате «вопрос-ответ», предлагать ученикам самостоятельно найти работу, которая их больше всего заинтересовала, и аргументировать свой выбор, или выполнить творческое задание по мотивам увиденного. Такой диалог с искусством превращает пассивное созерцание в активный опыт, позволяя каждому ребенку не только узнать о приемах мастера, но и сформировать собственное, осмысленное отношение к произведению.

К сожалению, организовать посещение выставок для каждого урока изобразительного искусства в условиях массной общеобразовательной школы практически невозможно. Этому препятствуют несколько объективных причин: значительная численность классов, строгая закрепленность учебного процесса за кабинетной системой, плотное общее расписание, а также логистические и финансовые сложности, связанные с удаленностью многих школ от музейно-выставочных центров. Таким образом, систематическое и прямое восприятие подлинных произведений искусства «вживую» для большинства школьников остается труднодостижимой целью, а уроки зачастую приходится проводить, используя репродукции в учебниках или цифровые аналоги на экране, что неизбежно обедняет чувственный опыт — утрачивается фактура красочного слоя, масштаб холста и то магическое ощущение присутствия, которое возникает только при личной встрече с произведением искусства.

При работе над рисунками с применением цвета существует еще одна, глубоко укорененная методическая проблема. Начиная с младенчества, детей активно приучают к раскраскам, где контур предопределен, а задача сводится к заполнению областей строго локальными, чистыми цветами (небо — голубое, солнце — желтое, трава — зеленая). Это оправдано на раннем этапе, когда ключевыми задачами педагога являются знакомство с базовой цветовой палитрой, отработка координации «глаз-рука» и развитие мелкой моторики. Однако в школе, особенно в начальных и, что особенно важно, в средних классах, художественные задачи кардинально меняются. Учеников знакомят с основами живописи как искусства: они изучают творчество признанных мастеров прошлого (например, импрессионистов, для которых цвет был главным выразительным средством) и современные арт-практики, осваивают различные техники (а ля прима, лессировка) и приемы (цветовые контрасты, нюансы, создание пространства с помощью теплых и холодных оттенков).

При выполнении таких живописных заданий у школьников часто возникают серьезные трудности. Им сложно отказаться от привычного «раскрасочного» мышления. Как справедливо отмечал Л.С. Выготский, «в основе творчества всегда лежит неприятие того, что дано непосредственно, и стремление изменить, преобразовать его» [4, с. 27]. Задача педагога — помочь ребенку совершить этот переход от пассивного заполнения готовой формы к активному преобразованию. Вызывают сопротивление методы оптического и физического смешения красок на палитре, наложение сложных, составных цветов, запрет на использование чистых красок из тюбика без предварительного тонирования. Дети, чьи руки и глаз привыкли действовать в пределах готового контура, не могут легко перестроиться на свободное движение кисти, накладывание динамичных мазков разного размера и формы, работу с тоном и светом. Для того чтобы снять этот глубокий психологический и моторный «зажим», прекрасно работает проверенный временем метод учебного копирования фрагментов картин профессиональных художников.

В идеале, посещая выставки или работая с высококачественными репродукциями и каталогами по их материалам, детям дается задание самостоятельно выбрать произведение для копирования. Этот процесс выбора сам по себе становится мощным образовательным инструментом. Выбирая работу, ребенок проводит мини-исследование: он анализирует десятки полотен, сравнивает манеру письма, сюжеты, цветовые решения — то есть становится вдумчивым и осознанным зрителем. Глядя на картину, он не просто пассивно воспринимает изображение, а активно взаимодействует с ним: исследует свои мысли, выражает эмоции («это вызывает радость, а это — тревогу») и осмысливает свое отношение к миру через ви́дение, созданное другим человеком. Этот анализ происходит поэтапно: сначала на интуитивно-эмоциональном уровне («нравится — не нравится», «зацепило — не зацепило»), а затем к нему подключаются полученные на уроках знания о композиции, перспективе, колорите и технических приемах.

Конечно, все эти методические приемы успешно и традиционно применяются на примере работ, уже ставших классикой мировой живописи. Обращение к наследию Леонардо да Винчи, Ван Гога или Айвазовского дает бесценную связь с историей и эталонами мастерства. Однако использование на уроках произведений ныне живущих современных художников обладает уникальным дидактическим потенциалом. Это позволяет наглядно показать детям, что искусство — это не застывшая реликвия в багете, хранящаяся в далеких музеях, а живой, пульсирующий процесс, в котором можно участвовать здесь и сейчас. Мы демонстрируем, что творимые сегодня образы — это не какое-то далекое и абстрактное явление, а часть нашей повседневной реальности: мы живем среди него, оно отражает наши текущие тревоги и надежды, и мы даже можем оказаться «внутри» него, взаимодействуя с инсталляциями или цифровым искусством. Такой подход разрушает барьер между зрителем и искусством, делая его актуальным и личностно значимым для каждого ученика, мотивируя его на собственные эксперименты и поиски. «Современное искусство бросает вызов традиционным представлениям о прекрасном, заставляя зрителя стать активным участником диалога» [3, с. 78].

Современный урок изобразительного искусства, построенный на принципах системно-деятельностного подхода, кардинально отличается от классического объяснительно-иллюстративного метода. В его основе лежит не трансляция готовых знаний от учителя к ученику, а самостоятельное открытие и присвоение этих знаний через деятельность. Учитель приходит к классу не с готовыми ответами и инструкциями, а с продуманной системой вопросов и учебных ситуаций. Он выступает в роли модератора и наставника, который создает специально организованные условия — «обучающую среду». В этих условиях дети, решая поставленную учителем учебную задачу, активно познают мир, экспериментируют и конструируют собственное понимание темы. Таким образом, выполняя личностно значимые для них действия, ученики независимо достигают тех целей, которые заложил педагог. Это и есть суть управляемого, но при этом личностно-ориентированного учебного процесса, в котором дети являются не пассивными слушателями, а субъектами деятельности.

В контексте обучения живописи и цветовосприятия, о которых шла речь ранее, этот подход находит свое прямое и эффективное применение. Ученики совершают конкретные учебные и оценочные действия: они не просто слушают лекцию об импрессионизме, а на практике, через копирование фрагмента работы К. Моне, сами открывают принцип оптического смешения цветов, видят, как мелкие мазки чистого цвета на расстоянии сливаются в единую вибрирующую форму. Они создают собственные образы, эскизы, схемы-палитры, фиксирующие этапы смешения красок, и, сравнивая свои работ на разных стадиях, наглядно видят, чему научились, что развивает в них веру в собственный успех и мотивацию к дальнейшим открытиям. После выполнения каждого задания они учатся сами проводить рефлексию и давать эмоционально-ценностную оценку своей деятельности, отвечая на вопросы: «Что у меня получилось лучше всего и почему?», «Какой прием был самым сложным и что я могу сделать, чтобы освоить его лучше?».

Описанные ранее педагогические приемы — такие как создание мотивации через связь с современным искусством, проблемная подача материала (например, «как передать солнечный свет, не используя белую краску?»), организация самостоятельного выбора картины для копирования, поиск информации о технике художника — являются прямыми инструментами системно-деятельностного подхода. Они дают учителю возможность быть ориентированным на каждого ученика, учитывая его индивидуальный темп и интересы, и выстраивать обучение на основе формирующей их творческой и исследовательской деятельности. Это позволяет соблюдать ключевые принципы системного мышления – целостность (когда каждое задание воспринимается как часть большого творческого пути) и структурность (когда сложные задачи, вроде написания картины, делятся на последовательные и понятные этапы: от выбора работы и анализа колорита до подбора палитры и нанесения первых мазков).

Таким образом, системно-деятельностный подход в условиях классно-урочной системы становится тем самым мостом, который соединяет необходимость решения «старых» методических проблем (таких, как зависимость от раскрасок) с задачами современного образования — воспитания мыслящего, самостоятельного и творческого человека, способного не только копировать, но и создавать новое. Например, после цикла занятий по копированию учитель может предложить финальную проектную задачу: создать собственную работу в технике изученного художника на актуальную для школьника тему (например, «Мой двор в стиле Ван Гога» или «Натюрморт с гаджетами в манере импрессионистов»). Это задание синтезирует все полученные знания и навыки, выводя деятельность ученика на уровень осознанного творчества.

Практика посещения выставок современных художников становится ядром системно-деятельностного подхода в обучении искусству, трансформируя пассивное восприятие в активный диалог. Ученики погружаются в актуальный художественный контекст, где искусство воспринимается не как исторический реликт, а как живой процесс, в котором можно участвовать здесь и сейчас.

Ключевая идея — связать личный творческий опыт ребенка с языком современного искусства. Так, вместо классического анализа картин Айвазовского, дети исследуют на выставках, как ныне живущие художники используют цвет, форму и материалы для выражения концепций и эмоций. Они учатся не просто смотреть, а видеть: анализировать, как цвет создает настроение, как пластика объекта передает его характер, как иллюстрация становится интерпретацией текста.

Практические задания строятся вокруг осмысления увиденного: создание собственных работ по мотивам экспозиции, кураторство мини-выставок, ведение зрительских дневников. Даже традиционное наблюдение натуры переосмысливается — дети создают не реалистичные зарисовки, а художественные образы, используя приемы современных авторов.

Формы работы максимально приближены к реальным практикам арт-мира: экскурсии в галереи с квестами, встречи с художниками, виртуальные туры, обсуждения в пространстве выставки. Итоговая выставка детских работ сознательно стилизуется под профессиональную экспозицию, что позволяет ученикам ощутить себя частью современного культурного процесса. Этот подход стирает грань между учебой и реальной жизнью, развивая критическое мышление, эмоциональный интеллект и мотивацию к собственному творчеству.

Для преодоления разрыва между учебной программой и живым художественным процессом учителю необходимо активно интегрировать посещение выставок современного искусства в учебный процесс. Это требует применения конкретных методов и технологии, которые преобразуют пассивный просмотр в активную учебную деятельность.

Основные технологии:

Системно-деятельностный подход: Является стержневым. Посещение выставки не самоцель, а учебная ситуация, источник проблемных вопросов и материал для последующей творческой и исследовательской деятельности учащихся. Задача учителя — создать условия, в которых ученики самостоятельно делают открытия, анализируют и создают.

Технология проблемного обучения: Выставка — идеальное пространство для постановки проблемных вопросов, на которые нет готовых ответов: «Что хотел сказать художник?», «Почему этот объект можно считать искусством?», «Как эта работа связана с нашей жизнью?». Это запускает процесс критического осмысления.

Проектная технология: Посещение выставки становится отправной точкой или этапом для большого творческого проекта. Например, создание собственной серии работ «в диалоге» с художником, кураторство виртуальной выставки или разработка арт-квеста для одноклассников.

Конкретные методы и формы работы (до, во время и после посещения):

До посещения (подготовка):
• Форма: Урок-исследование / Урок-погружение.

- Метод проблематизации: Учитель знакомит с темой выставки, биографией художников и формулирует ключевой вопрос для визита.
- Метод контекстуализации: Увязка с текущими темами программы («Цветоведение», «Композиция»).
- Практическая форма: Работа в малых группах по поиску и анализу информации о художниках, составление прогнозов и вопросов.

Во время посещения (интерактивные методы и формы):
• Форма: Урок-экскурсия (активная) / Урок-квест.

- Метод «Выбери и аргументируй»: Индивидуальная или парная работа по поиску самой интересной работы и подготовке аргументов для дискуссии.
- Метод «Художественный квест»: Групповая или индивидуальная работа по маршрутному листу с заданиями («найди работу, где главный элемент — текст», «сфотографируй фрагмент, где цвет передает тревогу»).
- Метод «Экспресс-зарисовки (скетчинг)»: Индивидуальное ведение скетчбука для фиксации идей, композиционных схем, цветовых сочетаний.
- Метод «Модерация дискуссии»: Фронтальная или групповая беседа у конкретных работ. Учитель — модератор, задающий наводящие вопросы («Что вы чувствуете?», «Какой элемент здесь главный?»).

После посещения (рефлексия и творчество):

• Форма: Урок-творческая мастерская / Урок-вернисаж.
- Метод «Создание работ по мотивам»: Индивидуальная или коллективная работа (например, создание общей инсталляции) с использованием приемов, техник или концепций, увиденных на выставке.

• Форма: Урок-проект.
- Метод «Виртуальное кураторство»: Работа в малых группах по созданию виртуальных выставок на основе фотографий и найденных материалов, с разработкой концепции и афиши.

• Форма: Урок-дискуссия / Урок-презентация.
- Метод «Подготовка отзыва-рецензии»: Индивидуальная работа по написанию эссе или созданию видео-отзыва с аргументированной оценкой и личной позицией.
- Метод «Публичная защита проекта»: Групповая или индивидуальная презентация своих творческих работ, созданных по мотивам выставки, перед классом с объяснением концепции и связи с творчеством художника.

Комплексное использование этих технологий, методов и форм превращает выставку современного искусства из разового события в мощный педагогический инструмент. Через продуманную организацию деятельности она позволяет решать ключевые задачи: развитие визуальной грамотности, критического мышления, эмоционального интеллект и мотивации к собственному творчеству, показывая его непреходящую актуальность.

Заключение

Необходимость интеграции посещения выставок современного искусства в школьный курс изобразительного искусства продиктована не просто желанием его модернизировать, а острой потребностью преодолеть системный кризис, в котором оказалась эта предметная область. Анализ проблем, таких как перегруженность программ теоретической информацией, смещение акцента в сторону досуговой деятельности, низкая мотивация учащихся и разрыв между академическими знаниями и живым художественным процессом, показывает, что традиционных методов сегодня уже недостаточно.

В этом контексте выставки современного искусства выступают не как дополнительная опция, а как стратегический педагогический ресурс, идеально соответствующий парадигме системно-деятельностного подхода, заложенной в ФГОС. Они являются тем самым мостом, который соединяет требования стандарта — развитие критического мышления, универсальных учебных действий, культурных компетенций — с личным, эмоционально пережитым опытом ребенка. Именно личная встреча с произведением искусства, с его фактурой, масштабом и энергетикой, способна разрушить стереотипное «раскрасочное» мышление и показать искусство как живой, пульсирующий язык для высказывания о самых актуальных проблемах современности: экологии, идентичности, цифровизации.

Ключевая роль в этом процессе принадлежит учителю, который сам должен быть активным участником современного художественного процесса. Его личный опыт посещения выставок, вернисажей трансформируется в искренность и убедительность диалога с учениками, в способность грамотно отбирать релевантный материал и создавать на его основе проблемные учебные ситуации. Учитель становится не транслятором готовых знаний, а модератором, создающим среду для самостоятельного открытия.

Реализация данного подхода требует от учителя пересмотра роли и методов работы. Он становится куратором образовательного пространства, который не просто передает знания, а создает условия для самостоятельного открытия, анализа и творчества. Это предполагает переход от монолога к диалогу, от оценки по шаблону к поддержке индивидуальной траектории развития каждого ученика.

Кроме того, успешная интеграция практики посещения выставок зависит от способности школы выстраивать партнерские отношения с музеями, галереями и культурными институциями. Это может выражаться в создании совместных образовательных программ, проведении дней учителя в музее, организации специальных экскурсионных и лекционных абонементов. Такое сетевое взаимодействие позволяет преодолеть изоляцию школы от актуального культурного контекста.

Несмотря на объективные сложности (логистика, финансы, расписание), отказ от интеграции этого опыта равносилен согласию с дальнейшей маргинализацией предмета «Изобразительное искусство». Технологии виртуальных туров, онлайн-коллекций музеев, а также продуманная методология работы с репродукциями (от копирования до виртуального кураторства) позволяют в той или иной форме привнести дух актуального искусства в каждый школьный кабинет.

Таким образом, систематическая и методически обоснованная работа с материалами выставок современных художников является не просто желательным элементом, а необходимым условием для качественного обновления преподавания изобразительного искусства. Это путь от восприятия урока как «маловажного отдыха» к его преобразованию в пространство для диалога, критической рефлексии и подлинного творчества, где школьник учится не только рисовать, но и мыслить, чувствовать и ориентироваться в сложном мире визуальной культуры, становясь ее активным и сознательным участником.

Список литературы:

1. Дистервег А. Руководство к образованию немецких учителей // Избранные педагогические сочинения. – М.: Учпедгиз, 1956. – 374 с.
2. Гёте И.В. Избранные афоризмы и максимы / Пер. с нем. А.В. Михайлова // Собрание сочинений: В 10 т. - М.: Художественная литература, 1980. - Т. 10. - С. 401-432.
3. Неменский Б.М. Педагогика искусства. Видеть, ведать и творить. – М.: Просвещение, 2012. – 144 с.
4. Выготский Л.С. Воображение и творчество в детском возрасте. – СПб.: Союз, 1997. – 27 с.
5. Федеральный государственный образовательный стандарт основного общего образования. Утвержден приказом Министерства образования и науки Российской Федерации от 17 декабря 2010 г. № 1897.
6. Мелик-Пашаев А.А. Педагогика искусства и творческие способности. – М.: Знание, 1981. – 96 с.
7. Ямалетдинова Г.А. Современное искусство в школе: методическое пособие для учителей. – М.: Арт-Волхонка, 2018. – 168 с.
8. Бакши Л.П. Методика преподавания изобразительного искусства в общеобразовательной школе. – М.: Просвещение, 2019. – 207 с.
9. Поливанова К.Н. Проектная деятельность школьников: пособие для учителя. – М.: Просвещение, 2011. – 192 с.

 

 

 

ПРИЛОЖЕНИЕ

 

Предмет: Изобразительное искусство

Класс: 6

УМК: Программа «Изобразительное искусство» под редакцией Б.М. Неменского

Тема урока: «Пейзаж настроения. Изменчивость состояний природы. Природа и художник. Импрессионизм и постимпрессионизм»

Тип урока: Урок открытия нового знания (УОНЗ)

Форма урока: Урок-творческая мастерская с элементами виртуальной экскурсии и проблемного диалога.

 

Цель урока: Создать условия для формирования представления о «пейзаже настроения» через анализ художественных приемов импрессионизма, постимпрессионизма и творчества современных петербургских художников.

Планируемые результаты:

Личностные:

• • Формирование целостного, социально ориентированного взгляда на мир в единстве природы и культуры.
  • Развитие эстетического сознания через освоение художественного наследия.
  • Формирование мотивации к творческому труду, работе на результат.

Метапредметные:

• • Познавательные УУД: Умение анализировать, сравнивать, классифицировать, устанавливать причинно-следственные связи, делать выводы; смысловое чтение визуальной информации.
  • Регулятивные УУД: Умение ставить цели, планировать свою деятельность, вносить необходимые коррективы, осуществлять самооценку.
  • Коммуникативные УУД: Умение организовывать учебное сотрудничество, формулировать и аргументировать свое мнение, владеть диалогической формой речи.

Предметные:

• • Знать особенности творческого метода импрессионистов и постимпрессионистов в передаче состояния природы.
  • Узнавать и анализировать приемы передачи настроения в пейзаже на примере произведений классического и современного искусства.
  • Уметь создавать творческую работу (эскиз), передающую определенное эмоциональное состояние природы, используя выразительные возможности цвета и мазка.

Технологии: Системно-деятельностный подход, проблемное обучение, здоровьесберегающие технологии, ИКТ.

Оборудование: Интерактивная доска, мультимедийный проектор, компьютер, презентация, репродукции картин, материалы для творческой работы (бумага А4, акварель/гуашь, кисти, палитры, баночки с водой).

Ход урока:

1. Организационный момент. Создание проблемной ситуации (5 мин)

Учитель: Здравствуйте, ребята! Прежде чем мы начнем, пожалуйста, посмотрите на экран. Перед вами две картины. Первая — «Рожь» Ивана Шишкина. Вторая — «Звездная ночь» Винсента Ван Гога.
(На экране демонстрируются эти два произведения)

Учитель: Оба художника изображают природу. Но делают они это абсолютно по-разному. Давайте попробуем найти отличия. Что вы сразу видите? Какие чувства у вас возникают от каждой картины?

Ученики: (Высказывают предположения) Одна реалистичная, как фото, а вторая какая-то «нервная», динамичная. От первой чувствуется спокойствие, а от второй — тревога, волнение.

Учитель: Абсолютно верно! Вы уловили самую суть. Шишкин показывает нам природу подробно, детально, объективно. А Ван Гог показывает нам не столько саму природу, сколько свое чувство, свое настроение от нее. Его кисть дрожит от волнения, цвет кричит о страсти. Получается, правда в искусстве бывает разной: правда внешнего сходства и правда внутреннего переживания.

Учитель: Сегодня мы как раз и будем говорить о том, как художники учатся ловить настроение и изменчивые состояния природы. Мы перенесемся в Париж XIX века, а потом вернемся в наш Санкт-Петербург, чтобы увидеть, как эту идею развивают современные художники, чьи работы можно увидеть на выставках прямо сейчас. И каждый из вас в конце урока попробует стать таким «художником настроения».

2. Актуализация знаний. Погружение в импрессионизм и постимпрессионизм (7 мин)

Учитель: Художники, которые первыми решили отказаться от простого копирования и начали ловить мгновение, впечатление, назывались импрессионистами. Посмотрите на работу Клода Моне «Стога сена».
(На слайде серия картин Моне «Стога» в разное время суток)

Учитель: Что здесь происходит? Что хотел показать Моне?

Ученики: Он рисовал одно и то же, но в разное время. Свет разный, цвета разные.

Учитель: Именно! Его главные герои — не стога, а свет и воздух. Он работает быстрыми, раздельными мазками, чтобы передать вибрацию света. Он выходит из мастерской на улицу (пленэр), чтобы поймать сиюминутное состояние природы. Это и есть импрессионизм — искусство впечатления.

Учитель: А теперь посмотрим на Ван Гога. Он пошел еще дальше. Ему было мало впечатления, ему было важно выразить свою эмоцию. Он усиливает цвет, скручивает форму, делает мазок толстым и вихреобразным. Его «Звездная ночь» — это не карта звездного неба, а карта его душевных переживаний. Это уже постимпрессионизм — искусство выражения.

3. Изучение новой темы. Виртуальная экскурсия по выставкам современного Петербурга (10 мин)

Учитель: А теперь давайте зададимся вопросом: это осталось в прошлом? Конечно, нет! Давайте совершим виртуальную экскурсию на выставки современного искусства в нашем городе. Сейчас я покажу вам работы петербургских художников, которые прямо сейчас выставляются в галереях, например, в «Эрарте» или «Манеже».

(На экране появляется работа Алексея Дашевского — лиричный, немного туманный петербургский пейзаж)

Учитель: Перед вами работа Алексея Дашевского. Что мы видим? Какое настроение? Какими средствами художник его создает?

Ученик 1: Мне кажется, это раннее утро. Настроение спокойное, даже грустное.
Ученик 2: Цвета неяркие, размытые. Нет четких контуров, все как в дымке.

Учитель: Отлично! Вы заметили, что он, как и импрессионисты, работает с состоянием — не просто рисует дом, а рисует утренний туман вокруг дома. Он использует мягкие, текучие мазки и сложные, смешанные оттенки.

(На экране появляется работа Дмитрия Шагина (Митьки) — наивный, добрый пейзаж, возможно, с рекой и корабликом)

Учитель: А это — Дмитрий Шагин, один из «Митьков». Его работы всегда очень искренние. Какое здесь настроение? Как оно достигнуто?

Ученик 3: Настроение радостное, светлое. Цвета чистые, яркие, как в детской раскраске.
Учитель: Верно! Он использует другой прием — локальные, открытые цвета. Но задача та же — передать не географию места, а его поэзию, свое лирическое и очень личное к нему отношение.

Учитель: Как вы думаете, ребята, глядя на их работы, чей метод ближе к импрессионизму с его вниманием к свету и воздушной среде, а чей — к постимпрессионизму с его яркой эмоцией и деформацией формы ради выразительности? И почему? Давайте порассуждаем.

Ученики: (Высказывают предположения) Мне кажется, первый художник (Дашевский) — больше импрессионист, потому что у него все как в дымке, он ловит настроение, свет и туман. А второй (Шагин) — больше как постимпрессионист, потому что он сильно упрощает и преувеличивает формы, цвета очень яркие, открытые, и это вызывает сильное, радостное чувство.

Учитель: Блестящее наблюдение! Вы абсолютно точно уловили суть. Действительно, современные художники не копируют прошлое, но они ведут с ним диалог, используя и развивая его язык.

Учитель: Алексей Дашевский, как и импрессионисты, работает с состоянием атмосферы — он рисует сам воздух, влажность, рассеянный свет Петербурга. Он использует мягкие, сложные, смешанные оттенки.

Учитель: А Дмитрий Шагин, как постимпрессионисты, идет дальше. Он преобразует реальность, чтобы выразить свое яркое, лиричное, доброе чувство. Он использует открытые, локальные цвета, упрощает форму, делает ее декоративной. Его цель — не столько впечатление от натуры, сколько создание радостного, поэтического образа.

Учитель: Таким образом, мы видим, что идеи импрессионизма и постимпрессионизма не умерли, а живут и развиваются в творчестве современных мастеров, просто они говорят с нами на актуальные темы сегодняшнего дня и пропущены через личность каждого художника.

4. Совместная работа над практическим заданием. Модерация учителя (20 мин)

Учитель: Теперь настало время и вам побыть в роли современных художников. Ваша задача — создать не просто рисунок, а эскиз-настроение. Эскиз — это быстрая, эмоциональная зарисовка, где главное поймать чувство, а не прорисовать каждую деталь.

Шаг 1: Постановка задачи и выбор темы.
Учитель: Вы можете выбрать одно из двух состояний природы:

1. Спокойное, умиротворенное (например, тихое утро, солнечный полдень, заснеженный вечер).
2. Динамичное, тревожное (например, надвигающаяся гроза, порывистый ветер, сумерки).

Кто выбирает первый вариант? Поднимите руку. Второй? Отлично.

Шаг 2: Совместное обсуждение средств выразительности.
Учитель: Давайте теперь вместе подумаем, какими средствами мы будем передавать эти настроения. Начнем со спокойного настроения. Если я хочу передать умиротворение, какими красками я буду пользоваться? Какими будут мои мазки?

Ученики (обсуждение): Теплыми, светлыми красками. Голубыми, розовыми, нежно-зелеными. Мазки будут плавными, мягкими, может быть, размытыми.

Учитель: Совершенно верно! А теперь тревожное, динамичное настроение. Какие здесь будут краски? Какие мазки?

Ученики: Темные, холодные цвета: синие, фиолетовые, изумрудные. Мазки резкие, прерывистые, могут быть даже угловатыми.

Учитель: Прекрасно! Вы уже мыслите как настоящие художники! Вы не просто берете зеленую краску для травы, а подбираете нужный оттенок зеленого для передачи нужного чувства. Помните, мы это видели и у Моне, и у Дашевского.

Шаг 3: Начало работы и индивидуальная модерация.
Учитель: Теперь приступайте к работе. Не бойтесь экспериментировать! Смешивайте краски на палитре, пытайтесь найти тот самый цвет, который передает ваше ощущение. Помните, что мазок тоже может быть «спокойным» или «взволнованным».
(Ученики начинают работать. Учитель ходит по классу, подходит к каждому, ведет индивидуальный диалог)

Модерация учителя (примеры диалогов):

• К ученику, который выбрал «спокойствие»: «Я вижу, ты взял светлую охру для песка. Отличный выбор! Это теплый, уютный цвет. А что ты думаешь насчет неба? Каким цветом можно передать состояние безмятежного, ясного неба? Может быть добавить чуть-чуть синего в белила, чтобы получился очень нежный голубой?»
• К ученику, который выбрал «грозу»: «О, я вижу мощные темные тучи! Это здорово передает напряжение. Как ты думаешь, можно ли добавить им еще больше динамики? Может быть сделать несколько резких, коротких мазков поверх, чтобы создать ощущение порывов ветха? Или добавить вспышку ярко-желтого для молнии, как контраст?»
• К ученику, который испытывает трудности: «Я вижу, ты немного задумался. Давай вернемся к твоей цели. Какое настроение ты хочешь передать? Прохладный осенний вечер? Давай попробуем смешать синюю краску с капелькой красной и серой. Посмотри, какой интересный холодный сиреневый получается! Именно такой цвет бывает в сумерках. Попробуй положить его на бумагу крупным, плавным мазком».

Шаг 4: Фронтальная модерация по ходу работы.
Учитель: (Обращаясь ко всему классу) Ребята, я вижу у многих уже получаются очень интересные цветовые решения! Кто открыл для себя новый оттенок сегодня? Поделитесь!
(Ученики кратко делятся находками: «Я смешал желтый и фиолетовый, получился глухой, но интересный цвет для тучи», «А я сделал мазки не кистью, а мастихином (пластиковой лопаткой), чтобы получилось грубее»)

Учитель: Это прекрасные открытия! Именно так и работают художники — через эксперимент.

5. Рефлексия. Мини-вернисаж (5 мин)

Учитель: Наша мастерская завершает работу. Давайте устроим мини-вернисаж. Давайте посмотрим на несколько работ. Не будем говорить «правильно» или «неправильно». Давайте попробуем угадать настроение, которое хотел передать автор, и средства, которые он для этого использовал.

*(Учитель выбирает 3-4 работы и показывает их классу (можно прикрепить на доску или сфотографировать телефоном и вывести на экран). Автор работы называет свое настроение. Остальные ученики высказываются, какие именно элементы (цвет, мазок) помогли им это настроение почувствовать.)*

Учитель: Я горжусь вашей работой сегодня. Вы были не просто учениками, вы были исследователями, аналитиками и, конечно, художниками. Вы доказали, что искусство — это живой язык, на котором можно говорить о самом главном — о своих чувствах.

6. Домашнее задание (3 мин)

Учитель: Домашнее задание у вас будет на выбор:

1. Для любителей анализа: Найти в интернете афишу выставки современного искусства в Петербурге (например, на сайте «Эрарты»), выбрать одну работу в жанре пейзажа и письменно ответить на три вопроса: Какое настроение? Какими средствами передано? Что в этом современного?
2. Для практиков: Завершить свою сегодняшнюю работу, оформить ее на листе А4, придумать ей название, которое отражает настроение, и написать 2-3 предложения от лица художника-автора.

Спасибо за прекрасный диалог и творчество! Урок окончен.

Полный текст статьи см. в приложении.